Helena Giron e Samuel M. Delgado: «They Carry Death e il nostro film sulla memoria»

VENEZIA – 1492. Tra l’equipaggio capitanato da Cristoforo Colombo viaggiano tre uomini che a quest’ora avrebbero dovuto essere morti. Sono riusciti a evitare il loro triste destino partecipando a questo viaggio incerto. Raggiunte le Isole Canarie fuggono portando con sé una delle vele della nave. Nel frattempo, nel “Vecchio Mondo”, una donna cerca di salvare la sorella morente portandola da un guaritore. Entrambi questi viaggi tentano di prendersi gioco della morte. Entrambi questi viaggi sono in balìa della storia. Dopo aver presentato i loro lavori al Toronto International Film Festival e a Locarno, al New York Film Festival e al Rotterdam International Film Festival, Helena Giron e Samuel M. Delgado presentano They Carry Death in concorso alla 36. Settimana Internazionale della Critica continuando la loro indagine sulla relazione tra mitologia e materialismo.

Perché avete deciso di ambientare They Carry Death in una data simbolica come il 1492?

La “scoperta” di Colombo alla fine del XV secolo segnò l’inizio della modernità, e con essa il progetto di dominazione occidentale, in cui la caccia alle streghe e la conquista dell’America erano essenziali per stabilire e articolare il nuovo sistema economico e sociale che cominciava a muovere i primi passi. Da quel momento in poi, il presunto benessere dell’Occidente cominciò a costruirsi sulla sofferenza di un numero enorme di persone, la maggior parte delle quali viveva fuori dall’Europa. Cominciava a prendere piede anche l’idea del progresso come unico modo di vivere possibile e desiderabile, così come tutta una serie di storie, miti e discorsi che si sarebbero cristallizzati durante l’Illuminismo, e che avrebbero reso invisibile tutta una serie di modi di vedere e comprendere il mondo che sfidava il potere costituito. Il fatto che questa data facesse parte dell’immaginario collettivo è stato molto utile anche per noi quando si è trattato di contestualizzare velocemente il film in un determinato momento. Attraverso una vela e tre caravelle potremmo suggerire un mondo intero. Questo ci ha aiutato a evocare uno sfondo riconoscibile, un’estetica e un’epica da mettere in discussione attraverso la finzione. Con questi elementi in gioco, abbiamo cercato di articolare una possibile storia speculativa che mettesse in discussione alcune pietre miliari dello Stato spagnolo, come i racconti di conquista, ma anche stereotipi come la strega, con l’obiettivo di offrire nuove prospettive che potrebbe essere più emancipative.

Qual è stato il vostro obiettivo quando avete deciso di ricreare visivamente l’estetica del vecchio mondo?

Con il film non si cerca mai di generare una storia storicista, ma piuttosto di rendere possibile l’incontro con gli spettri del passato, e con il mistero della loro possibile esistenza. Il cinema ci dà la possibilità di rendere visibili certi elementi immateriali del nostro mondo, certi legami, certe energie, certe presenze… Ci interessa tutto ciò che trascende il realismo. Questo non significa che il nostro cinema sia lontano dal reale, ma che il nostro obiettivo è agli antipodi dal ritratto che si pretende neutro, asettico. Ci interessa l’arte che si schiera e propone una visione particolare del mondo. In questo senso, fin dall’inizio cerchiamo di generare l’illusione di un tempo passato. Ci piace l’idea di evocare un’epoca, piuttosto che rappresentarla o descriverla. Non abbiamo mai voluto che i personaggi indossassero elmi, ad esempio, come cliché visivo di quel tempo. Né abbiamo cercato di enfatizzare l’immagine oscura e sporca della fine del Medioevo. Guardiamo, per esempio, alla libertà con cui Pasolini si avvicinava all’arte nei suoi film. Ci piacciono particolarmente i costumi di Porcile. Inoltre, tenuto conto che la maggior parte del film si svolge in ambienti naturali ed esterni, il lavoro di Silvia Navarro, l’art director, è stato strettamente legato a quello dei costumi (Atri Galván e Maika Novo) e del trucco (Erika Luke ), nella caratterizzazione e negli elementi che indossavano i personaggi, ci sarebbe quasi tutta l’ambientazione del film.

Come avete lavorato con Camilo Sanabria alla colonna sonora? Che tipo di suono gli avete chiesto di creare?

La composizione della musica è stata un processo di ricerca. Siamo partiti dall’idea di una musica minimalista che emergesse dal suono ambientale e che coesistesse con il sound design. Una musica che quando inizia a suonare non sai se quello che senti è uno strumento musicale o un suono di scena, il vento, il mare, una voce lontana… Con questa idea in mente, Camilo ha proposto delle sonorità che, pur essendo state create con strumenti musicali, non erano timbri facilmente riconoscibili. Ha lavorato molto con violoncello, fisarmonica e composizioni elettroacustiche. Da lì abbiamo iniziato a parlare delle emozioni che volevamo che la musica raccontasse nei diversi blocchi. È un processo interessante perché lavorando con la musica senza essere musicisti, dobbiamo creare un linguaggio particolare per comunicare ciò che stiamo cercando. Dato che non gestiamo il linguaggio tecnico, non possiamo essere precisi, quindi è molto importante che ci sia un’affinità emotiva ed estetica con il musicista per capirsi. Con Camilo è stato sempre molto semplice e fluido. È incredibilmente proattivo e ha rapidamente fatto sua l’atmosfera del film in un modo che ci ha dato la sensazione che la musica fosse sempre presente.

They Carry Death è un film sul lutto e la morte ma anche sull’amore e la memoria. Quando avete iniziato a scrivere questa storia l’equilibrio e la connessione tra questi diversi aspetti erano già centrali o sono affiorate durante il processo di scrittura?

Sì, il film parla della morte dei nostri cari, delle idee e dei ricordi che abbiamo di loro e della paura di scoprire cosa diventeremo una volta che se ne saranno andati. Il lutto è attraversare questo processo doloroso che ti cambia e ti trasforma sempre, e che ha tanto a che fare con l’amore, che secondo noi è il cardine della memoria. Ma anche della morte di chi non abbiamo mai conosciuto, delle idee e dei ricordi che sono stati sepolti lungo il cammino, resi invisibili, e che riescono a rimanere vivi in noi in un modo che rasenta il magico. In questo senso, da quando abbiamo iniziato a scrivere il film, abbiamo pensato di creare una memoria dei diseredati di fronte all’epopea della storia che li insegue. Volevamo che avessero la loro avventura, che esistessero. Durante il processo di scrittura li abbiamo sognati come rappresentazione dei nostri amici, dei nostri amori, e con il film vogliamo ricordarli sempre.

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