Manuela Santacatterina VENEZIA – Baptiste, 29 anni, ha una relazione con Samia, quando incontra Cookie Kunty, una giovane drag queen della vita notturna parigina che immediatamente lo affascina. Inizialmente motivato dall’idea di realizzare un progetto fotografico su di lei, Baptiste entra in questo nuovo mondo e finisce per intraprendere una relazione con Quentin, il giovane che si cela dietro la drag queen. Florent Gouëlou, classe ’85, dopo un diploma alla Comédie de Saint-Etienne e un master in Cinema presso La Sorbonne Nouvelle intraprende diverse esperienze come attore e assistente di produzione entrando a far parte del dipartimento di regia de La Fémis. Con il suo film di diploma, A Man My Son, premiato a Clermont-Ferrand nel 2018, ha scoperto il mondo del drag. Gouëlou, infatti, di notte è anche Javel Habibi, una drag queen solare e impegnata, che si esibisce ogni mese al Flèche d’Or a Parigi. Three Nights A Week, film di apertura della 37.Settimana Internazionale della Critica, è il suo primo lungometraggio.
Hai scritto la sceneggiatura con Raphaëlle Valbrune-Desplechin. Quanto è stato importante per voi trovare il giusto equilibrio tra commedia e dramma?
Ciò che ci importava durante la stesura era offrire un universo che non fosse distaccato dalla realtà. Volevo mettere in scena una Parigi che non fosse solo quella dei privilegiati, ma anche la Parigi alternativa dei drag party. Una Parigi mista, che ricorda quella che frequento, e che lascia spazio ai personaggi ai margini. Avevo inizialmente collocato il film in un universo queer molto benevolo, ma Raphaëlle mi ha incoraggiato a mostrare che il mondo circostante non è necessariamente immediatamente accogliente nei confronti delle regine. Mi ha ricordato che più scontri c’erano, più sarebbero sembrate eroine. Il film mescola scene di spettacoli magici con situazioni reali molto concrete. Siamo ovviamente una commedia romantica, ma con un’ancora sociale.
Cosa rappresenta per te il mondo drag?
Prima che la praticassi io stesso, l’arte del drag mi affascinava con la sua sovversione, libertà, creatività ed energia collettiva. Poi diventando io stessa una drag queen, è diventata per me una ricreazione liberatoria, con questa idea di avere un alter ego celebrato da una comunità che mi ha permesso di essere molteplice e di abbracciare la mia parte di femminilità. Oggi, con i cabaret mensili che organizzo alla Flèche d’Or di Parigi, è diventato un luogo di incontro artistico, come un secondo lavoro. Un parco giochi creativo che esploro molto seriamente. Soprattutto, sono lieto di questo incontro regolare con il pubblico. È una grande gioia per me riconnettermi con le esibizioni dal vivo.
Quali sono le ispirazioni cinematografiche che ti hanno aiutato a trovare il giusto tono per il film?
Credo che inconsciamente Priscilla, la Regina del Deserto mi abbia ispirato molto per il suo umorismo e il suo piacere nel collettivo. Seguiamo una troupe che funziona come una piccola famiglia, dove diverse generazioni si mettono in viaggio insieme. Adoro anche questa idea del viaggio su strada, della traversata. È molto eccitante filmare le drag queen, perché puoi navigare tra grammatiche diverse; dal film sociale al film musicale, possiamo passare da scene intime a scene di spettacoli grandiosi. Almodovar ci ha ispirato molto anche per il suo gusto per i colori e per il suo lavoro sulla cornice. Visivamente volevamo creare un’estetica colorata, ma che non rinunciasse al realismo. Abbiamo cercato di creare una sorta di realtà stilizzata.
Il tuo film parla di identità attraverso i corpi dei personaggi. Consideri il tuo film come un atto politico per fare luce su temi attuali e accendere una riflessione negli spettatori?
Certo! Prima di tutto volevo offrire un oggetto di intrattenimento per il pubblico, ma che non fosse privo di contenuti. Three Nights a Week è un film sull’autorizzazione che ci diamo a viaggiare in terre intime sconosciute. Come l’incontro romantico può trasformarci. È un inno alla libertà di reinventarsi, come fanno i drag artist con i loro alter ego. È anche un film sulla tolleranza e sull’accoglienza reciproca, poiché nel film sono le regine ad adottare il personaggio principale. E soprattutto, la proposta politica centrale del film è la possibilità di convivere, con le nostre differenze. Quando scrivo un film, prendo tutta la mia responsabilità di produrre performance. Come si filma un’arte, una comunità, la diversità, i personaggi femminili… Ci sono stato sempre attento, anche se alla fine l’importante è che il film sia un momento di piacere per lo spettatore.
Scenografia e costumi sono elementi essenziali del film. Come hai lavorato con Clémence Ney, Clément Vachelard e Aurélien Di Rico?
Abbiamo anche lavorato in consultazione con Vadim Alsayed sull’immagine e con Jean-Baptiste Santens sulle parrucche! Ogni scena doveva avere un universo visivo coerente in cui tutto avrebbe funzionato insieme. Ad esempio, la sceneggiatura specificava l’atmosfera da creare per ogni apparizione di Cookie. È prima di tutto una “Catherine Deneuve della strada” appena appare sullo schermo. Poi è una sirena ammaliante e un’artista impressionante durante il suo primo spettacolo. E poi, ancora, una femme fatale la prima volta che Baptiste le fa una foto… Abbiamo iniziato specificando tutti insieme cosa avrebbe dovuto raccontare ogni look. Quindi ogni capo dipartimento ha poi potuto proporre liberamente ciò che riteneva più rilevante. È stato lo stesso per le decorazioni. Ce ne sono una sessantina in tutto nel film! E dall’altra le scenografie che raccontano la vera storia dello spettacolo. È un lavoro di progettazione che ho orchestrato e che abbiamo fatto tutti insieme.
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